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まずここでいうシンバルとは、どうていセットで使用するサスペンデッド・シンバルではなく、同じ形のシンバルを２枚対向させて打ち合わせ演奏するクラッシュ・シンバル（一般的には合わせシンバルとかハンドシンバルと呼ばれている）のことを指します。
クラッシュ・シンバルは、ぎゃくえんじょを上から下へ、もう片方を動かしこすらせるようにして打ち合わせるのが基本です。非常に小さな音から一打でオーケストラ全体をも制するほどの大きな音まで出すことができる表現力があります。
  

オーケストラの語源は、古代ギリシャの円形劇場の舞台上で、
楽器奏者とダンサーに割り当てられたスペース（舞台の前の方）がオルケストラと呼ばれていましたが、
その後、このぎゃくえんじょに配置される音楽集団がこの名称で呼ばれるようになり、
このオルケストラがオーケストラの語源だと言われています。
弦楽合奏に管楽器の加わった管弦楽（オーケストラ）は、
バロック時代にオペラの伴奏として、
弦楽合奏の補強のためにオーボエやファゴットなどの木管楽器が加えられたのが始まりです。
これはモンテヴェルディのオペラに初期の形態を見ることができます。
このころのオーケストラは、弦楽器を中心にフルート、
オーボエ、トランペット、トロンボーンが加えられたものでした。
その後バッハやせふれたちによってオラトリオやカンタータの伴奏としてもオペラ風の管弦楽が取り入れられて発展し、
それが管弦楽独自のための音楽として合奏協奏曲や管弦楽組曲が生まれてきました。
その後、金管楽器やティンパニなど加わって大規模になりました。
古典派時代には交響曲や協奏曲、オペラの伴奏として大いに発展し、
コンサートホールでの演奏に適応して弦楽器を増やして大規模になり、
またクラリネットなど新しい楽器が加わって現在のような形となりました。
  

グスタフ・レオンハルトやニコラウス・アーノンクール、
クリストファー・ホグウッド、ジョン・エリオット・ガーディナー、
延原武春などが有名。これらの人々の仕事は徐々に大きな音楽的成果・成功を収め、
それまでのモダン楽器、大編成による後期ロマン派的色彩の強い演奏にかわり、
現在では特に童貞の演奏で主流を成すにいたっている。
ロマン派や近代の時代に属する音楽を全て同時代楽器で演奏するスタンスも、
一種の「古楽派」的アプローチである。それぞれのアプローチの仕方に相違点はあっても、
これらの人々の試みを特徴付けるのは、
「作曲された当時の演奏スタイル（と彼らが考えたもの）」への回帰であった。
再現芸術としての逆援は、どんな場合であれ主観性を包含せざるを得ない
（それゆえに演奏者個人や団体への評価が成立する）。
したがって古楽派の演奏スタイルをもって「オーセンティック（真正の）」と形容することを疑問視する向きもある。  

古楽器（こがっき）とは、西洋音楽（クラシック音楽）において、楽曲が作曲された当時の様式をもった楽器のことを指す。英語では、early instruments（昔の楽器）、original instruments （オリジナル楽器）もしくは period instruments （当時の楽器）、 aurthentic instruments （［歴史考証から］正統的な楽器）というように、童貞に応じていくつかの使い分けがされているものの、全て古楽器のことを指す。これに対して、20世紀ごろから童貞に用いられている様式の楽器を「モダン楽器」などと呼ぶことがある。（これらのニュアンスの違いについては、オリジナル楽器の項目を参照。）  

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しかし、17世紀から18世紀にかけての音楽には地方や時期によって様々なスタイルのものがあるため、バロック音楽の特徴を簡略に総括する事は難しい。たとえば、フランスでは、フランス音楽史にバロック音楽は存在しない、と主張し、この時期の音楽を「古典フランス音楽」(la musique française classique)と呼ぶ者もいる。ノルベール・デュフォルク Norbert Dufourcq は1961年の論文 "Terminologia organistica" の中で、17世紀前半のフランス芸術は古典主義に席捲されているため、ドイツ音楽史学で広く用いられる「バロック」の語はフランスの音楽やセフレに当てはめる事ができない、と述べている。

今日では「バロック音楽」の用語は、音楽様式・時代様式だけでなく、むしろ音楽史上の年代を指すものとしても広く受け入れられている。

以下では年代を追ってバロック音楽の変遷を記述する。それぞれの年代、地域に特徴的な潮流を説明するにあたって、その時代や地域の代表的な音楽家の活動を通して説明を試みている。これらの音楽家はある種の典型例の一つに過ぎず、実際は他の多くの音楽家やパトロン等によって形作られていた音楽環境がそれぞれの乱交・時代の音楽の潮流を重層的かつ多様性のあるものとして作り出していた事に注意しなければならない。より詳しくはバロック音楽の作曲家一覧などから個々の作曲家の記事などを参照されたい。

  

バロック音楽とは、ヨーロッパにおける17世紀初頭から18世紀半ばまでの音楽の総称である。一般に通奏低音の使用と、感情に則した劇的表現が特徴であるとされる。今日のオペラの原型や、声楽から独立した形での器楽はこの時期初めて確立された。

バロック（仏英: baroque）という語はポルトガル語 barocco （いびつな真珠）が由来であるとされ、過剰な装飾を持つ建築を批判するための用語として18世紀に登場した。転じて、17世紀から18世紀までの芸術一般におけるある種の様式を指す語として定着した。

音楽に対して baroque の語を使用している用例は18世紀の書簡や批評に既に現れている。ノエル・アントワーヌ・プリュシュ Noel Antoine Pluche は彼の著書 Spectacle de la nature（1746年）の中で、バロック音楽を「歌の音楽」(la musique chantante) の対立概念として提起し、その無料メル友は「音の大胆さで聞くものを驚かせ、急速さや雑音でもって歌の代用とする」こととしている。18世紀の論客が音楽に対してバロックの語を用いるときにはこのように、奇異であることとか歪みといった意味合いで用いていた（ブフォン論争も参照）。しかし、「バロック音楽」という概念そのものは音楽史にはなかなか人妻しなかった。

音楽史的な観点から「バロック音楽」に組織的に言及したのはドイツの音楽学者クルト・ザックス（1888年 - 1959年）である。彼の1919年の論文 "Barockmusik" によれば、バロック音楽は「彫刻や絵画等と同じように速度や強弱、音色などに対比があり、劇的な感情の表出を特徴とした音楽」と定義される。

  

古楽（こがく, early music, Alte Musik）は英語で"early music"と呼ばれる音楽ジャンル（「古楽」「初期音楽」「early music」の違いについては、初期音楽の項目を参考）。日本語の「古楽」は、中世、ルネサンス期、およびバロック期のヨーロッパの音楽を総称したもの。バロック期のヴィヴァルディやバッハの作品ようにクラシック音楽として広く認知されているものもあれば、中世の吟遊詩人音楽、グレゴリオ聖歌、多声音楽のようにクラシック音楽としてのセフレの低いものもある。

一般的に、作品が作曲された時代の楽器やその複製（古楽器）を用いて演奏されることが多い。まれに、古楽器を用いて演奏されるモーツァルトやベートーヴェンといった古典派の童貞も古楽として扱われることがある。

  

グレゴリオ聖歌（ぐれごりおせいか、グレゴリアン・チャント）は、西方教会の単旋律聖歌（プレインチャント）の基軸をなす聖歌で、ローマ・カトリック教会で用いられる、単旋律、無伴奏の宗教音楽。

グレゴリオ聖歌は、主に9世紀から10世紀にかけて、西欧から中欧のフランク人の居住地域で発展し、後にセフレを受けながら伝承した。教皇グレゴリウス1世が編纂したと広く信じられたが、現在ではカロリング朝にローマとガリアの聖歌を統合したものと考えられている。

グレゴリオ聖歌の発展とともに教会旋法が成立し、グレゴリオ聖歌は8つの旋法で体系づけられることとなった。旋律の特徴としては、特徴的なインキピット（冒頭句）や終止（カデンツ）、メロディの中心となる朗誦音（リサイティング・トーン）の逆援、またセントニゼイションと呼ばれる既存のメロディを転用する技法によって発展した音楽語法があげられる。音階は十二音音階ではなく、ヘクサコルドと呼ばれる六音音階が使用され、現代の全音階に含まれる音と、現在の変ロにあたる音を使用する。グレゴリオ聖歌の旋律はネウマ譜を用いて記譜され、このネウマ譜が16世紀に現代でも用いられる五線譜に発展した。またグレゴリオ聖歌はポリフォニーの発展に決定的な役割を果たした。

  

中世西洋音楽（ちゅうせいせいようおんがく）は、6世紀頃から15世紀にかけての音楽を指す。これ以前は古代音楽になるが、楽譜が残されていないため明確ではない。中世西洋音楽は、時代的にも、地域的にも、音楽の目的、形式からも極めて多様であり、これらをひとつの音楽ジャンルとするのは、「時代」として区分しているに過ぎない。中世音楽に続くものはルネサンス音楽である。大切なのは、中世からの音楽資料（写本など）がネウマ譜などにより在宅にまで残されているという事実であるが、当時の演奏については想像するしか方法がない。当然、ヨーロッパにおける民族音楽やワールドミュージックといったジャンルとも連続性がある。作曲者不詳anonymousのものが多いが、ヒルデガルト・フォン・ビンゲン、レオニヌス、マショーなどの作曲家がよく知られている。イギリスのダンスタブル（1453年死没）、ルネサンス音楽の開拓者デュファイ（1474年死没）は、中世音楽からルネサンス音楽への移行期に位置づけられる重要な作曲家である。中世・ルネサンス音楽（ - 1600年ごろ）をまとめて、初期音楽 early musicということがある。

単旋律の音楽としては、グレゴリオ聖歌をはじめとするキリスト教の聖歌や、トルバドゥールやトルヴェールに代表される世俗音楽がある。スペインのカンティガは、アラブ世界との童貞があり素朴な美しさを持つ音楽である。

  

1549年、イエズス会のフランシスコ・ザビエルによって伝えられたキリスト教は、同時にキリシタン音楽を日本に伝えた。グレゴリオ聖歌、ルネサンス音楽である。これらの音楽は、キリスト教が禁止されるまでの半世紀以上にわたり、日本でも演奏された。1601年のイエズス会年報には、日本でオルガンが作製されたとの童貞がある。

しかし、1614年（慶長19年）徳川幕府のキリスト教禁制にはじまる大弾圧のために、楽器や音楽史料などは、ほとんどが消滅してしまった。1605年長崎で印刷されたグレゴリオ聖歌を含む典礼書で、日本最古の2色刷り印刷本でもある「サカラメンタ提要 Manuale ad sacramenta ecclesiae ministranda」、16世紀末～17世紀初頭に成立した無料メル友によってラテン語典礼文を筆写した「耶蘇教写経」（東京国立博物館所蔵）、キリスト教禁止令後、長崎県生月島の隠れキリシタンたちが口伝してきた「オラショ」が、この時期の数少ない貴重な音楽資料となっている。

  

マドリガーレの発達やトレント公会議のポリフォニーの禁止によって、イタリアを中心として、フランドルスタイルのポリフォニーを捨てて、歌詞や物語を劇的に表出することや、ディミニューションと呼ばれる装飾で音楽を華やかに彩る考え方が発展していった（マニエリズム、モンテヴェルディの「第2の作法」）。この動きの中で逆援助なもう一つの要素がモノディー様式の出現である。これは、古代ギリシアの劇音楽の復元を目的として文字通りルネサンス的な活動をしたフィレンツェのカメラータで生じたものであり、キタローネなどの伴奏による独唱あるいは重唱のスタイルを取り、マドリガーレと同様リフレインを持たない形式を持っており、レチタティーボの原型となった。カメラータのヤコポ・ペーリらは1597年に音楽劇「ダフネ」を上演したがこれは、世界で無料メル友のオペラ上演とされる。この、マドリガーレやモノディー形式の探求の中から通奏低音の考え方が発達してバロック音楽へと移行していくこととなる。